Interview d’Anton VISKOV
L’œuvre d’Anton Viskov, compositeur contemporain de renom et directeur artistique de l’ensemble « Blagovest », mêle une grande variété de genres — des oratorios et mystères orthodoxes aux opéras pour enfants et aux bandes originales de films — et son style musical se distingue par sa clarté mélodique et sa noble spiritualité.
Pour célébrer le 55e anniversaire du compositeur et le 30e anniversaire de sa collaboration avec Blagovest, l’ensemble donnera un concert commémoratif : le 21 mars 2021, la salle Rachmaninoff du Conservatoire de Moscou accueillera la première mondiale d’une composition de Viskov, ainsi que des œuvres figurant depuis longtemps au répertoire de l’ensemble.
Nous avons discuté avec Anton Viskov du programme du concert anniversaire, de son parcours vers la musique sacrée, des différentes facettes de son travail et de son point de vue sur l’art musical contemporain.
Vous avez débuté votre carrière à l’époque soviétique, alors que la musique religieuse était pratiquement interdite. Comment en êtes-vous venu à ce genre musical ?
J’étais encore étudiant au Conservatoire de Moscou et je me souviens très bien d’une vitrine dans la salle de lecture de la bibliothèque du Conservatoire, où étaient exposés des manuscrits et des éditions de Jurgenson, Belyaev et Gutheil, présentant principalement des compositeurs de l’École synodale de Moscou du début du XXe siècle. Parmi eux figuraient Kastalsky, Chesnokov, Nikolsky, Grechaninov et, bien sûr, Rachmaninoff…
Cette élévation spirituelle a influencé de nombreux compositeurs de l’époque, et même des compositeurs d’avant-garde se sont mis à écrire de la musique religieuse. Par exemple, Edison Denisov a composé un remarquable hymne angélique dans la tradition des chants médiévaux monophoniques. Sviridov, Schnittke et Gubaidullina ont également commencé à composer dans ce style. C’était une période extraordinaire. C’est alors que j’ai compris que la musique sacrée était ma voie.
Mon travail religieux est principalement axé sur l’oratorio spirituel orthodoxe russe. C’est un genre relativement rare : contrairement à l’opéra, il est assez statique et, de ce fait, peu populaire, même auprès des interprètes.
Il n’existe pas beaucoup d’oratorios dans le répertoire musical mondial qui soient constamment joués : ce sont le Messie de Haendel, les cycles de la Passion et la Messe solennelle de Bach, le Stabat Mater de Pergolèse, les Requiem de Mozart, Verdi et Brahms.
L'oratorio spirituel russe est encore plus rare car, traditionnellement, le chant spirituel orthodoxe se pratique a cappella, sans instruments, ce qui impose des exigences d'interprétation bien spécifiques. Néanmoins, c'est ce genre et son évolution qui m'intéressent le plus actuellement.
— Le concert anniversaire avec l’ensemble Blagovest présentera la première de votre oratorio « Golgotha. Passions russes ». Pouvez-vous nous en dire plus sur les œuvres au programme ?
Lors de mon concert anniversaire à la Salle Rachmaninov, le public aura le plaisir d’interpréter des hymnes faisant partie intégrante du répertoire de Blagovest, ainsi que d’assister à la création mondiale de l’oratorio « Golgotha. Passions russes ». Composé récemment, pendant la pandémie, cet oratorio offre une illustration musicale unique du drame religieux de la Passion, présent depuis des siècles en Europe occidentale et dans certains pays orthodoxes.
On retrouve quelque chose de similaire dans l’œuvre de Carl Orff : il a créé une comédie dans laquelle il reproduit d’anciennes formes de musique courantes dans le théâtre médiéval et étroitement liées à des thèmes chrétiens.
Dans mon oratorio, je peins des tableaux musicaux des événements du Nouveau Testament qui se déroulaient habituellement dans les mystères : la Cène, le jugement de Pilate, la procession vers le Golgotha, la mise au tombeau du Christ, les lamentations de la Vierge Marie.
Cette composition mêle différents genres, tant liturgiques latins qu’orthodoxes, et j’ai choisi le titre « Passions russes » car tous les hymnes sont en russe. J’animerai moi-même le concert et expliquerai mon concept en détail au public.
Le 11 avril, jour de mon anniversaire, je donnerai un nouveau concert avec l’ensemble Blagovest, cette fois-ci dans la Salle des Miroirs du Mosconcert, rue Pushechnaya. J’y présenterai la création mondiale d’une nouvelle œuvre, « Liturgie des Anges ». J’y ai également combiné plusieurs styles : j’ai repris des chants orthodoxes traditionnels et les ai mis en musique dans un style proche de celui de Bach, Buxtehude et Schütz.
Je me suis imaginé compositeur du milieu du XVIIIe siècle et, m’appuyant sur quelques traités de composition alors abondants en Europe, j’ai tenté d’adapter les modèles anciens à la pensée moderne. Il en a résulté une stylisation intéressante.
Je dois dire que j’aime beaucoup porter des perruques, et mon amour pour l’époque baroque reste intact. Bien sûr, il ne s’agit pas de baroque authentique, mais plutôt de néo-baroque : un style apparu au début du XXe siècle et qui continue de plaire à certains compositeurs contemporains.
— En parlant de votre style de composition, il est impossible de ne pas mentionner que vous avez étudié auprès de deux maîtres renommés : le pédagogue et fervent défenseur de la terre, Georgy Sviridov, et le compositeur de comédies musicales rock pour enfants, Gennady Gladkov. Comment ces compositeurs, aux styles si opposés, vous ont-ils influencé ?
« Lorsque j’ai commencé à composer, je n’imaginais pas que j’écrirais de la musique religieuse. J’étais attiré par ce genre musical. »
L’œuvre de Gennady Gladkov a profondément influencé mon parcours, et sous sa direction, j’ai même créé plusieurs comédies musicales et composé de la musique pour des pièces de théâtre. Mais dans les années 1990, la légalisation de la musique sacrée russe a transformé ma conception de la création, et l’esthétique académique de Sviridov est devenue l’une de mes références les plus importantes.
— Votre musique est très facile à percevoir – elle semble pratiquement dépourvue des influences atonales qui dominent l'esthétique académique moderne…
« Je m'intéresse aussi beaucoup aux explorations expérimentales de l'avant-garde, qui ont débuté au début du XXe siècle et sont associées aux noms de Schoenberg, Berg et Webern, puis, après la guerre, à Ligeti, Stockhausen et Berio. J'ai étudié attentivement ce style au conservatoire et je le pratique encore aujourd'hui ; c'est un formidable stimulant pour la pensée créative. »
Composer de manière sérielle, voire quasi-sérieuse, permet d’apprendre à structurer la trame musicale : cela se traduit plus tard par de magnifiques mélodies. Je pense immédiatement à Taneyev : sa méthode d’enseignement repose sur l’immersion dans la technique complexe de la polyphonie néerlandaise. C’est une formidable stimulation intellectuelle pour un compositeur : elle favorise la création de nouvelles mélodies et de nouvelles découvertes.
Quant à mon style de composition, je m’efforce toujours de rester fidèle à la tradition ancienne. À cet égard, je pense au remarquable muraliste Pavel Korin, qui affirmait que la peinture est impossible sans modèle, sans « nature visible ». Il en va de même en musique.
Par exemple, Modeste Moussorgski, l’un de mes compositeurs préférés, que j’ai toujours essayé d’imiter, n’a en réalité rien eu à composer de nouveau : il est venu à Moscou depuis Saint-Pétersbourg, est sorti sur la place et a écouté les conversations des gens, qui se sont ensuite traduites dans sa musique.
De nos jours, on entend rarement de la poésie spirituelle dans les rues ; les chants ne s'entendent plus guère qu'à l'église, sous une forme assez typologique – il ne m'est donc pas si facile de trouver cette « nature visible ». Mais nous devons encore la chercher : pour comprendre la modernité, nous devons être capables de discerner le passé dans la vie moderne.
— Outre la composition, vous vous investissez activement dans la musicologie : vous étudiez les airs folkloriques et les poèmes spirituels, vous restaurez des partitions perdues et inachevées de grands maîtres du passé — Kastalsky, Chesnokov, Kalinnikov, Moussorgsky, Tchaïkovski, et bien d'autres… Que représente ce travail pour vous ?
« C’est ma passion. Je me qualifie souvent de « rétro-maniaque militant », même si j’ai un grand respect pour l’art contemporain. Mais quand je vois un ancien manuscrit du XVIIIe siècle, je suis fasciné par ses pages, qui contiennent encore des inscriptions, des commentaires, des lettres d’amour et même des morsures de rats ! »
L’espace culturel doit s’élargir non seulement en intégrant les valeurs contemporaines, mais aussi en faisant revivre le patrimoine perdu. Grâce à d’anciens manuscrits, j’ai pu reconstituer de nombreux chants et hymnes spirituels. Je tire un pur plaisir esthétique du lien entre les époques : le parfum si particulier du temps, des pages jaunies !
Nombre de compositeurs ont également ressenti un attrait pour le passé : Tchaïkovski, que Rimski-Korsakov a accusé d'un enthousiasme excessif pour « l'époque du vertugadin et des perruques », Francis Poulenc, qui s'est tourné vers la tradition du chant grégorien, et bien d'autres…
— Et si l'on parle des réalités modernes, pensez-vous que le grand public soit capable de comprendre et de percevoir vos écrits spirituels ?
« Bien sûr, la conscience de l’auditeur moderne est très structurée : bien souvent, ceux qui écoutent de la musique orthodoxe n’iraient pas écouter, par exemple, des opéras pour enfants. Mais je crois que la musique purement spirituelle peut être accessible à tous. »
Ce que l’on retire d’une œuvre musicale dépend avant tout de ce qui résonne en nous. Après tout, chacun perçoit la musique à sa manière, selon son monde intérieur. Si l’on assiste à un concert de musique sacrée russe, de polyphonie hollandaise ou, par exemple, de Nouvelle-Vienne, on peut trouver dans chacun de ces styles quelque chose de particulier, quelque chose qui résonne profondément en nous. Il n’est pas nécessaire d’avoir des convictions particulières, y compris religieuses, pour cela.
Par ailleurs, mon travail ne se limite pas à l’orthodoxie : je m’intéresse beaucoup aux thèmes historiques et littéraires. Par exemple, l’une de mes œuvres les plus importantes est l’oratorio-byline « Le Conte de la campagne d’Igor » : il s’agit de la première incarnation musicale d’un texte russe ancien authentique, sans traduction.
J'ai également mis en musique la magnifique traduction du poème « La Parole » par Evgueni Evtouchenko : le résultat fut un poème rock expérimental intéressant.
J’ai composé des œuvres inspirées de textes d’Alexandre Blok – « Sur le champ de Koulikovo » et « Les Douze » –, des opéras pour enfants basés sur des œuvres de Pouchkine, Joukovski, Tchekhov, Gogol et Ostrovski, ainsi que des musiques de films et d’émissions de télévision. J’ai également un projet pour les enfants d’âge scolaire que je prévois de présenter à l’Orchestre philharmonique de Moscou : « Lecture extrascolaire ».
D’une manière générale, un compositeur moderne devrait suivre l’exemple de Dmitri Chostakovitch, selon lequel le peuple a besoin de tout : chants de masse, opérettes, opéras, symphonies et musique de divertissement. L’équilibre est essentiel.
— Composez-vous des œuvres instrumentales, en plus de la musique « appliquée » ?
Le différend entre « chanteurs » et « instrumentistes » a toujours existé. Cette même question était à l’origine du célèbre conflit autour du décret Jdanov de 1948 et, dans une certaine mesure, persiste encore aujourd’hui.
Mon ami, le brillant compositeur Anton Batagov, qui a créé de nombreuses musiques pour diverses chaînes de télévision, interprète également ses œuvres dans des salles de concert universitaires, où le public est très réceptif. Je pense que c’est une piste à explorer.
— Quels sont vos autres projets d’avenir ? Qu’aimeriez-vous accomplir d’autre ?
« Bien sûr, j’ai beaucoup de projets pour la musique sacrée : par exemple, j’aimerais mêler le chant orthodoxe au folklore. Je suis flûtiste de formation, donc ce serait intéressant d’expérimenter avec les effets sonores, en essayant de combiner le son d’une chorale avec le duduk, la flûte irlandaise. »
Je souhaiterais également achever le cycle d’opéras pour enfants inspirés des contes de Pouchkine, et revenir au genre musical : je rêve notamment de collaborer avec Youri Entin, dont j’adore les chansons depuis l’enfance.
Je rêve aussi d’explorer le genre du « piano de rue », de jouer pour un public plus large. Aujourd’hui, la musique ne se limite plus aux salles de concert ; ce n’est plus un art élitiste, mais elle s’étend aux rues, au peuple, aux masses. En ce sens, le travail des compositeurs et interprètes contemporains rappelle quelque peu la tradition des troubadours, ces musiciens itinérants du Moyen Âge.
Aujourd’hui encore, même dans le métro et les couloirs souterrains, on peut entendre une musique fascinante ; on est parfois émerveillé par les magnifiques morceaux interprétés par des musiciens de rue. Ou bien, dans un train de banlieue, un violoniste surgit et joue soudain une composition époustouflante, dans un style résolument moderne !
Tout en préservant l’art monumental traditionnel, je souhaite rester en phase avec mon temps et créer quelque chose qui corresponde à la conscience musicale contemporaine.
Interview tirée de https://www.classicalmusicnews.ru/interview/anton-viskov-2021/